關於 哲學 與美學與藝術之 間的關係 ，我們在網路上蒐集到這些相關的討論、資訊與評價

贊助工具這件事獲得很多迴響。

很多人寫信進來說需要贊助工具，這讓我學到一件事情雖然學費只有2500元，但對很多家庭來說也是一筆負擔，教育與學習真的是不能少的，教育知識是能夠脫離貧困的最快的方法，身為藝術家的我從小媽媽也是很貧苦，她靠著自身努力到台北讀政治大學，最後靠著當老師的薪資週轉跟會，幫家裡還清了債務。

這對我來說是很不可思議的一件事情，我的母親力量會如此知道，我從小爸爸就沒賺過錢，而且不停的欠下許多債務，都是我媽媽在苗栗大湖農工教書一個月60000的薪資把我養大，供應我到復興美工，和大學一年級，我媽已債養債，已卡還卡的日子我看了20年之久，之後我就自己半工半讀創業了，直到現在。

所以我能夠體會在一個小孩子想要靠美術成長，他可能擅長的不是國文英文數學物理等等，可能擅長的事敏銳的創意思考，和美感，美學，哲學思考， 未來可以從事的創意產業很多種類。

我完完全全能夠體會那種當下，讓我想起去美術社買不起好的工具，我媽媽也很想支持，但苦於現實考量，買不起好的材料給我的感覺，做為母親很為難，小孩子的學習也為難，看了許多來信，有被公司裁員的，有單親家庭的母親想要幫助小孩的，有創業倒閉的，有拿自己從小零用錢存款的，我看了都默默的掉淚。

加上台灣的教育環境還不是很鼓勵，美術廣告表演體育等等等很多教育到職業的路途，當時10歲的我體會到這種感覺，一直到現在都忘不了，這種絕望的感覺，促使我成長的動力，我現在30歲了，或許追求自身的成就感之後，還有點餘力能幫助一些人，雖然我的影響力有限，但我還是沒有忘記我的初衷。

至於由於公司的營運關係，我也投入很多資金打造這個課程，沒辦法太多免費的名額，我和財務長kelly還在和一些金融單位討論要如何在網路上分期這個課程，我也不是基金會或超級大財團，能力也有限，目前提出的分期方案就暫定3-6期，每個月大概700元或是400元，除了影片之為還會有額外的分享在我的群組，希望能夠正面影響到許多人需要的人。

你們的信我有收到，請給我一點時間消化，謝謝。

Garytu

一個恍神，就忘了分享上個月入手的書，真的不得不說，現在是靜下心來好好閱讀最合適的時刻，雖然整體購書量下降，但書中的含金量卻始終沒有變過，依然很多好書、值得細細咀嚼的作品持續出版，大家不妨參考一下，而且七月的書豪華非常，待上市後再與來一一分享。
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先看六月份選書，其實早已讀完，但尚未分享，是已經單獨介紹過的「幡」書系第十一本：林芙美子的《#浮雲》曾由日本昭和時代最重要的導演成瀨巳喜男於 1955 年改編為同名電影，同時也是他的生涯代表作之一。「我想寫人的命運。我想寫在不合理的世界裡，無以名狀、存在於小說外側的小說。」由紀子為了擺脫與伊庭的祕密戀情，自願來到越南擔任軍方打字員，眼見整個世界在戰火底下動盪不安，此地安逸反而有如化外之境，由紀子不禁與富岡愈靠愈近，陷入另一段無法自拔的不倫戀情。戰爭結束後，兩人重返日本，卻始終無力攜手從頭來過。愛情的磨難，始於幻滅以後，因為徹底絕望，才更壓抑不住對希望的渴求。「我是宿命論的流浪者。我沒有故鄉。」在初版即暢銷六十萬冊的《放浪記》當中，林芙美子為自己寫下最佳注解，倘若令其成名的《放浪記》是一生只有一次的迷醉青春，生前最後一部完整長篇小說《浮雲》，便是她人生集大成的終極巨著。林芙美子曾任二戰時期筆部隊、國際交流作家、戰地記者，作品中可見豐富的異地見聞，堪稱日本女性旅行文學先鋒，其徘徊於婚姻制度之外的虛無愛情觀，時似自我放逐，時似毅然獨行，亦為人稱頌，本書描寫無法圓滿的不倫戀情，呈現日本戰後的舉國頹敗，藉由無處可去的情欲書寫重省生之意義。《浮雲》不僅是林芙美子人生最後一部完整長篇小說，更可謂其畢生最高傑作。
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其次，是原本考慮要選的拉丁美洲作家胡安卡洛斯奧內蒂《#短暫的一生》，此書不容易閱讀，卻相當值得挑戰。胡安瑪利亞布勞森才被廣告公司資遣，他的妻子此時卻罹患乳癌，失去一邊乳房。在妻子罹病後，布勞森接下朋友寫劇本的工作。在劇本裡，布勞森虛構一座名叫聖塔瑪利亞的城市，主角名叫亞瑟，他借用亞瑟來體現自己對波特萊爾的「惡」的渴望，他沉浸在虛構的情節中。布勞森的劇本設計亞瑟的鄰居住著一名叫葛嘉的女子，他常自房間薄牆聽到或偶爾偷窺到，繼而猜想葛嘉的生活與感情世界。葛嘉的職業是名妓女，緊挨著她的是皮條客。布勞森塑造的亞瑟形象，口袋裡總放著一把手槍，他讓亞瑟可以對葛嘉做出布勞森從來沒對妻子荷杜娣絲做過的事：在床上愛她的同時毆打她，而且打算殺她，一如卑鄙的皮條客對待他的妓女們一樣。奧內蒂是存在主義的信仰者，《短暫的一生》是奧內蒂樹立風格之作，採用大膽手法構思小說與人生的關係。奧內蒂的小說多以他的出生地蒙德維的亞，以及移居之城布宜諾斯艾利斯作為故事的發展背景，令人窒息的城市生活，一直是他小說中揮之不去的夢魘。他常常將經歷的人事物，清楚地折射在他的小說字裡行間。
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接著，是非常高興能擔任推薦人之一的作品：《#成為西蒙波娃》Becoming BEAUVOIR：A Life。波娃在世時，就已寫下許多回憶錄，但礙於時空背景、社會觀念且涉及他人，所以仍有許多細節被藏匿、許多真實心情被噤聲。Kate Kirkpatrick 這本最新傳記《成為西蒙波娃》，則全盤檢視過往波娃的自述，綜合最近幾年才公開的波娃日記與私人信件，補足過往未曾被看見的細節，也澄清社會與時代對她的種種誤解和批評，還原了立體而動態的細微面貌。不僅能讓我們全面且清晰地看見波娃與她所處的時代境況，看見她如何奮力回應那些阻礙與挑戰，更讓我們藉由審視不同時代的另一個靈魂，來更深刻理解自己的時代與自身所抱有的價值觀她的一生精采動人，有對自由的沉思，對真理的信仰，對自身不完美的真誠反省與無懼批判，也有熾熱的戀情。她也實際推動了世界各地的女性權益，讓女性更能為自己而活。此書利用最新公開的日記、信件等私人材料，重新檢視波娃過往的傳記、回憶錄、訪談之內容，也讓讀者重新認識過往那個仍舊嚴重性別不平等的年代。記住歷史，才更能理解平權之珍貴，也才更能在觀念上持續進步。另一方面，除了性別議題，更重新建立起波娃身為哲學家的一面，帶領讀者一窺她如何思索「存在」，並且「活出」哲學。波娃與沙特的感情，不只是世間一般情愛，更帶有深邃的哲學思辨、理智批判，最後，更會感動於他們智識的交織。
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還有幾日前做了贈書活動，傳奇紀實攝影師塞巴斯蒂昂．薩爾加多的口述傳記《#重回大地：薩爾加多的凝視》。1944 年出生於巴西鄉下，薩爾加多從小接觸大自然，父親是農場主人，希望他接管農場或是成為律師，但隨著庫比契克，當上巴西總統，國家經濟復甦，薩爾加多決心要成為經濟學家。1964 年，布朗庫元帥發動軍事政變，民間爆發大規模的抗議運動，為了逃離危險，他和妻子蕾莉亞於 1969 年踏上海外流亡之路，前往巴黎。在巴黎讀完經濟學博士班課程後，他為倫敦國際咖啡組織工作，享有優渥的薪水，在此時，他擁有人生第一台相機，短短時間，他已陷進了攝影的魅力之中，甚至決定放棄經濟學家的身分，成為攝影師。薩爾加多曾為知名的伽馬圖片社和馬格蘭攝影通訊社工作，並於 1994 年自立門戶，和妻子蕾莉亞成立了亞馬遜影像圖片社。2016 年，他被選為法蘭西藝術院攝影組院士。攝影是他的語言，照片是他表達的方式，富含著他的思想、成長歷程與人生經驗。
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當然，另一本重量級作品《#我的奮鬥2：戀愛中的男人》，也是這批書單中不可忽視的一本，《我的奮鬥》為 2009 至 2011 間挪威最重要的當代作家之一卡爾・奧韋・克瑙斯高所創作的半自傳小說，共六冊，主題分別為：死亡、愛情、童年、工作、夢想與思考。克瑙斯高在第一部《父親的葬禮》以死亡作為開篇，談論了父親於他的意義及父親悲慘的晚年，他大膽地揭露了自己的生活，直白且露骨的創作風格吸引了無數讀者，光是在挪威的銷量就突破了五十萬冊。在接續的第二部《戀愛中的男人》裡，他描寫的是如何與第二任妻子墜入愛河的故事。 從追求、戀愛、結婚到生子，克瑙斯高完整地記錄了一段愛情中最熱烈與最黑暗的時刻。
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以及，個人相當喜愛的作家《淘金殺手》派崔克德威特新作《#野蠻法國行》，同樣被改編成電影，敘述豪門寡婦法蘭西絲的人生計畫：就是在沒錢之前死掉。沒想到二十年過去，她還活著，她與獨子馬爾康幾乎將丈夫的遺產揮霍殆盡，於是決定拋下紐約的一切，不與任何人道別，帶著僅存的現金和已成年的兒子一同前往巴黎，還有家中的老貓小法蘭克，因為法蘭西絲相信死去丈夫的靈魂在貓身上。佔有慾強、咄咄逼人的寡婦母親，和優柔寡斷、似乎不想長大的成年兒子，看似不和的兩人，一路上演鬧劇般的互不相讓，古怪的默契又意外令人動容。然而，紐約客的聰明和刻意的儀態終究掩飾不了內心劇烈的傷痛。名流富豪的生活絕非人人都能擁有，卻也沒有人能不活在他人的目光下，看似「野蠻」的儀態和沒有限制的人生，不代表一切可以自由選擇，生命有各自的泥淖。卡繆曾說，真正嚴肅的哲學問題只有一個。全書看似諷刺上流社會，其實在荒謬與鬧劇背後，作者始終有意藉由「不尋常」的人物，探索人的「處境」。如同前作《淘金殺手》，作者派崔克德威特的小說語調再輕鬆滑稽、漫不在乎，情節再荒謬歪樓，對白再辛辣好笑，都不妨礙他冷不防地拋出值得深思的哲學問題，人要去哪裡才能活得自由？天生氣場難自棄的法蘭西絲當然有被討厭的勇氣，她看似什麼都不缺，誰能明白她缺少什麼？又有多少人能夠像她這樣野蠻地活著？結局令人回味無窮。
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還有《#在所有母親之間》也頗具吸引力，是主人翁布萊絲向前夫敘述她身為母親的困境與遭遇，與讀者開展一部懸疑驚悚的家庭故事。布萊絲的不安溯源家族三代，她的母親，以及母親的母親都不是稱職的媽媽，每個母親都以防衛甚至折磨的方式對待女兒，而長大後她也成為一位看似神經質的媽媽。當女兒薇歐列忒出生後，布萊絲的期待破滅了，她感受到雙方不對盤，女兒總是乖戾而拒絕合作，當她抱起女兒想要安撫卻換來尖叫淒厲，她甚至覺得自己目睹女兒惡魔般的行為。然而，薇歐列忒在爸爸面前卻表現像個小天使，夫妻之間逐漸產生裂縫。後來，弟弟山姆出生，在兒子身上，布萊絲終於找到期盼已久的親子之愛，薇歐列忒似乎也愛這位弟弟，沒想到，一場突如其來的意外撕裂了她的家庭，當她重新回想起來驚覺，女兒好像伸手推了這一切。親子關係是自古以來的課題，愛與恨，教與養，各種心理戰爭，本書帶領讀者進入一位母親的告白，驚悚的氛圍讀來心驚膽戰，故事的轉折讓人感到唏噓，震撼之餘也讓人反思自己與家人的親密關係。
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馬奎斯的另一本書又出版了，《#苦妓回憶錄》是他對愛情的禮讚，也是一首獻給生命的頌歌，更是他寫給遲暮人生的最後一封情書。晚年與病魔纏鬥多時的馬奎斯，意識到自己時日無多，他幾乎取消一切公開活動，全力投入回憶錄與這本封筆之作。書中每天都走在死亡邊緣的老記者猶如馬奎斯自己的化身，他藉由主角放蕩又純真的心路歷程，讓我們知道人生最悲慘的莫過於孤獨死去。每個人都有權利去愛，生命也許無法抵擋時間的流逝，但真摯的情感卻永遠都不會消失。以及，米蘭昆達拉的《#相遇》，他與文學、美學、藝術的相遇。相遇是「石火，電光，偶然」，雖然短暫，未必深入，但有時卻足以啟發一場偉大的文學邂逅和思維激盪，甚至影響小說藝術的歷史與生命。本書便收錄了昆德拉與其所崇敬的小說家、藝術家和偉大作品之間難忘而驚喜的相遇，透過隨筆、論述及訪談，暢談他所熱愛的文學、美學與藝術，也讓我們得以走入昆德拉龐大而深邃的思考世界，一睹這一次次相遇所迸發的思想火花。
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最貼近這個當下的小說，是普立茲獎得主勞倫斯萊特的《#十月終結戰》，故事從日內瓦一場世界衛生代表會開始，印尼一個難民營出現 47 人死於急性出血熱，僅被當作小事提出，出席會議的美國 CDC 副主任、流行病學家亨利帕森斯卻認為情況並不單純。亨利受託，親入險境尋找病原體，卻先受政治阻撓、後遭神秘病毒困住，同時，令人擔心的事正要發生：一名感染者正前往每年有數百萬信徒聚集的聖城麥加，參與朝聖之旅。感染果然一觸即發，沙烏地阿拉伯官方下令封城，但三百萬朝聖者能一個人都不離開？疫情入侵美國，國土安全部副主任對可能發生的生物戰能做出正確回應？全球旅行頻仍的時代，一場大流行挑戰了裂痕重重的全球關係，病毒侵襲的不只是生命，還有支持文明的各種體制。書中的微生物學家、流行病學家在發現了可怕的流行病毒後，不惜親身歷險，尋找解決讓世界陷入困局的神秘病毒起源和治癒方法，萊特透過小說對所有第一線醫護專業人員致敬，在這個圍繞醫學、政治、科學與人性的故事中，我們更得以知道他們存在的重要性。
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壓軸的是一本華文小說與韓國小說，鄧觀傑《#廢墟的故事》以八篇短篇小說組成，地景從馬來西亞首都西北的小鎮漂洋過海來到台北的邊陲地帶頂樓加蓋公寓。從異文化的邊陲到異國城市的邊陲，語言、文化的差異讓敘事者重新學習，學習如何透過敘事重新站立在世界的中央。國家，民族，地域，家庭與個人，鄧觀傑試圖為這些問題提出階段性的解答，作為青年時期的終結。「童年，是作家的提款機」鄧觀傑的這台 ATM 似乎沒有提款的上限，源源不絕的情節漫布在每則短篇裡。
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而閔智炯的《#她厭男她是我女友》，敘述主角金勝俊再次遇見她時，是在要求墮胎合法化的示威現場，這個讓他思念多年的初戀情人，會成為人們口中的「女性主義者」，而最沒料到的是，他發現自己再次無可救藥地愛上她。儘管網路上、好友間充斥各種對女性主義者的批評，勝俊仍深信兩人的邂逅是命運給的第二次機會。但她卻斷言他們之間不可能，最後還提出交往的條件：如果勝俊先想要分手，就要給她一百萬。勝俊不過是想談一場平凡的戀愛，卻沒有一件事情照著他的想像發展，彼此價值觀的歧異讓他的壓力日漸累積，終於在某個事件後徹底爆發開來。作者初戀是在國三時，大學二年級正式談了第一次戀愛，發現自己好像有戀愛的天賦，所以努力發揮才能地戀愛和分手。2016 年受到「江南殺人事件」的衝擊，開始研究女性主義，深刻體認到女性主義對人際關係和愛情的影響，而這部小說便是這些體認的成果。
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（以上文字節錄自各出版社書介。）

我是小雛菊花藝學校的花藝師吳妮晏，今天有一些沉重的話想跟大家分享，文長，懇請大家有空的話，把文章看到最後，謝謝大家。

這一個月來，陸陸續續收到一些網友傳來的訊息，告訴我有一個粉絲專頁名為「 人人都可以是花藝師」在五月二十四日發了一篇文章，文章裡面使用了一張我的照片，是我的教學影片的截圖，雖然有打馬賽克，但許多人也都看的出來那個人就是我，當下有點傷心，也不理解發文者為什麼要這麼做，但由於知道此粉絲專頁是一位我很敬重的「花藝大師」所創立的，因此這些日子我選擇沉默，也尊重這位老師的發言，當作一切都沒有發生，即便每每有人傳訊息來告訴我時，我還是會很傷心。

這兩天突然又收到許多網友傳來的訊息了，認為這篇文章雖沒有指名道姓，但明確使用了我的照片，文章內容也用了不雅的字眼「高級的垃圾」，希望我能站出來，思考了兩天，我才會決定在深夜發這篇文章作為聲明。

「人人都是花藝師」這個粉絲頁，是由台灣花藝大師「吳尚洋」老師所創立的，在五月二十四日發的文章裡，放了一些新生代花藝師的作品（不是我的作品），並且在最後一張放了我的照片，文章大概是描述這些作品醜得沒下限，將美的花全部堆在一起變成一團高級的垃圾，並開放大家踴躍投稿曾經被嚇壞的行為和作品。

根據網友傳來的訊息，許多人認為這篇文章有誘導大家「那些老師口中的醜作品都是我的作品」之疑（雖然我並不認同那些作品都是醜作品），稍早有網友於底下發問，老師有解釋，之所以使用我的照片，是因為我在「花束包裝教學」那一集的影片所使用的包裝紙，為老師認為的「韓式包裝紙」，因此老師才會截圖我的照片，想要藉此對台灣花藝體系提出一個質疑（關於網紅、韓系花藝），老師也強調他針對的是「紙」，不是我，也承諾會盡快把我的照片撤下，很遺憾的，已經過了好幾個小時了，截至我送出這篇文章，我的照片還在。

我想針對三個部分提供我的觀點給大家參考，「文章裡的花藝作品是否為醜作品」、「韓式花藝與其他花藝門派的風格」、「老師認為現今花藝圈的亂象」。

1. 文章裡的花藝作品是否為醜作品：
我認為美醜是因人而異的，每個人的審美觀可能因為成長背景、教育水平、文化背景等因素，而有所不同，例如唐朝的人喜歡楊貴妃這樣豐腴類型的女生，但漢朝喜歡的則是趙飛燕那樣纖細的女生；或是亞洲人會覺得范冰冰這樣濃眉大眼的女生很漂亮，歐美人可能會喜歡花木蘭類型的女生，眼睛細細小小的，我相信這樣的舉例大家應該都能理解，被老師放上粉絲頁的作品，都是來自新生代花藝師的作品，他們的美醜，市場機制自然會篩選，既然他們能在市場上留下來，也各自有擁護者，我相信也是有很多人是喜歡他們的作品的。

另外在留言部分，老師清楚明確的點名了兩家花店，分別是「火山」與「opm」，老師認為他口中的這些醜作品充其量只是把花當媒材的隨意創作，對於真的穩紮穩打的專業花藝師來說，何嘗不是一種挑戰與諷刺。

我認為以老師的身分和地位，此言論對於台灣花藝產業並不會帶來良善的影響，只會引導崇拜老師的人來效法這樣的審美觀，並讓老師的擁護者一味的霸凌被老師指名的花店，嘲笑他們的作品，甚至可能造成對立與仇恨，這個社會的「惡意」已經很多了！

還記得吳尚洋老師曾在華視的節目「點燈」裡談到：

「我們不是影印機，你每個人都有自己的人格特質，你在不同的家庭環境，不同的人文狀態之下成長的，那你為什麼要為了去讓一個普世價值而去決定你未來的人生，而且我覺得，為什麼你人本來生來就是不同的個體，你被規定變成這個樣子，那是不快樂的！而且有好多好多我身邊的好多同學，我覺得他們也很有才華，可是他們一直被規定，你所謂的任何人事時地物都要有一個標準答案，那變成每一個人都像影印機一樣。」

我非常認同老師當時節目中提到的論點，但再回到老師現在的行為，是不是不符合老師心目中的「美」，就應該被拿出來發文公開評論為「醜作品」與「高級垃圾」呢？如果這些作品真的有哪個地方需要改進，用「具體」的建議取代「批判性」的字眼會不會對花藝產業比較有幫助呢？例如：花型有什麼問題？色彩搭配有什麼問題？選材哪裡有問題？

再者，直接點名那兩家花店，是否影響了店家商譽？在台灣的花藝產業生存真的不容易，如果無法互相幫助，一起進步，讓台灣的花藝產業有更好的發展，至少不要互相傷害。

2. 韓式花藝與其他花藝門派的風格：
韓系花藝近幾年在亞洲盛行，之所以會盛行，也取決於市場的喜好，如果多數人是不喜歡的，那這個風格不會在近幾年崛起。

關於「風格」，以下是我的觀點：
在我的頻道下方經常會收到觀眾留言「請問這個作品是池坊還是歐式呢？」，其中一則觀眾的留言，也有看到了吳尚洋老師於底下回覆我的觀眾，並引起了一番筆戰，細節大家可以直接到這個連結了解（https://youtu.be/KWA7jWcwxhE）。

我們不可否認現今花藝領域有許多經典的流派，如德國花藝、荷蘭花藝、池坊、草月流、小原流等，這些流派都蘊藏了許多前人歸納與傳承的花藝知識與技巧，也富含花藝歷史的脈絡與時代意義，對於現今花藝發展有著不可抹滅的重要性。

但如果花藝一定要被歸納「你是什麼風格」、「他是什麼風格」、「哪個作品是德國花藝」、「哪個作品是池坊」、「哪個是韓式花藝」，那麼上述我們所提及的花藝流派創始人，在他們當時時空背景所處的朝代，他們算是什麼風格呢？他們所屬的流派與風格是經過幾百年、幾千年被後人流傳與歸納的，如果我們承認他們是一個流派的開拓者，那我們這個年代是否也能擁有和開創屬於我們這個世代的流派讓後人統整與傳承呢？

舉兩個例子給大家參考：

莫札特和貝多芬當年還活著的時候，他們會認為自己是「古典音樂」、「浪漫時期古典音樂家」嗎？依常理來說，
他們的音樂是那個時代的流行樂，經過後來的統整、歸納與傳承，成了我們現在所知的古典音樂。

「池坊」在16世紀的室町時代，池坊專應確立了花道的哲理，《專應口傳》集結了池坊哲學理念的大成，但在這之前，頂法寺的住持為六角堂插供佛花時，他已經認為自己的供佛花為「池坊」花道了嗎？

如果上述的論點成立，為什麼有自己想法的藝術家不能以自己的邏輯、喜好，去慢慢建立自己的風格與教學系統？藝術是表達自我的一種方式，所謂風格都是經由後人彙整與定義的，藝術家能做的，就是不斷的突破自我，如果一個人的風格慢慢成型，有人學習、傳承，就將成為一個流派。

因此，當今流行的「韓式花藝」，以及老師口中的「醜作品」，這一代的我們，沒有人能保證它們是否會成為後人所流傳的花藝流派。

吳尚洋老師經常在節目中鼓勵藝術與創作，不要被普世價值所侷限，一方面卻經常在自己的個人臉書與老師所成立粉絲專頁來批判「他認為醜」的作品，卻又無法「客觀公正」的談論作品的問題，提出「具體」的建議，甚至經常在留言進行嘲笑、沒有建設性的調侃，這跟老師在節目上（華視頻道的「點燈」節目）時所提倡的論點「應該發揮自己、不要被主流價值框限與規範、不要當影印機印出來的東西」，背道而馳。

還記得節目中，老師談論「自己以前如何被霸凌」，遺憾的是，下了節目後的今天，老師已成為台灣鼎鼎大名的花藝大師，老師確實以實力證明了自己，或許老師再也不會被世人嘲笑和霸凌了，但身為在台灣花藝圈有極大影響力的老師，時不時的拿著他的「美學價值」，去框限、嘲諷、批判其他新生代花藝師，這是讓我非常不能理解的。

還記得四月七日，老師曾在自己的個人臉書中發文，針對「花翁」一詞進行講解，當時看了老師的講解也覺得老師講得很好，讓大家更了解花藝的歷史，但其中內文提到「玫瑰花掰開、鬱金香要掰開，所有能掰開的花都不放過，怎麼你們就不能乖乖地用那些盛開的花就好嗎？自然開放的不是比較美嗎？還是都要像你們動了手腳的臉龐一樣，刻意的人為才叫美。」

近來，許多新生代花藝師會將鬱金香和玫瑰花手動開花，其目的是為了增加花朵的層次感，讓作品中有含苞的、微開的、盛開的，象徵花朵不同的生命週期，有的人喜歡，有的人不喜歡，一樣回到市場喜好，如果不是因為有很多人喜歡，這樣的手動開花方式也不會廣為流傳。
但因為老師的影響力，使得部分新生代花藝師因在作品裡為花朵做了手動開花，被老師的追隨者進行人身攻擊，攻擊那些花藝師的花跟臉一樣假，都是人工的，如果這不是霸凌，那什麼才是霸凌呢？

3. 關於花藝門檻變低
吳尚洋老師在那一篇貼文下方的留言提到，「韓式花藝只有拿整個花藝歷史的一部分出來講，花藝門檻變低，對於穩扎穩打的花藝師不公平。」

關於這個論點我想提供兩個部份給大家參考：

（一）今天任何一個花藝師在這龐大的歷史洪流中，每個人都只是花藝歷史的一部份，「池坊」是一部份，「德國花藝」是一部份，「韓式花藝」也只是一部分，更明確的說，吳尚洋老師、作品被老師評論為醜作品的新生代花藝師、或是所有喜歡花藝的愛好者，也只都是一部份，每個人一生的時間有限、資質不同，各自專精的領域也不會一樣，沒有一個人全知全能能夠代表「花藝」，當我們自己認為「別人只是講一部份時」，很多時候我們也無法代表全部。

回到我被吳尚洋老師截圖的那張圖片，那一集的主題是簡易花束包裝教學，內容是分享如何使用一款包裝紙來包裝花束，目的是讓一般民眾沒有辦法像花店一樣買齊各式各樣的包裝紙，一樣可以用影片提供的方式來為自己的花束進行包裝，頻道一直在更新內容，每個禮拜的主題不同，花藝的歷史洪流中許多技術、知識不是不會或是不講，而是一部影片大約15-30分鐘，要一次講完花藝歷史上所有蘊含的花藝知識與技術，相信任何一個老師都無法做到的，所以頻道會慢慢一集一集分成數個單元來分享，文章底下的留言串，有網友提出使用我的照片跟老師想針對的台灣花藝產業現象有何關聯時，吳尚洋老師用韓式花藝、網紅花藝作為一個切入點，因此放入了我的照片來代表韓式花束，因為影片中我選用了防水包裝紙，此包裝紙在花市資材行的名稱為「韓素紙」，表示是對「紙」不對「人」，如果大家有機會走一趟台北花市的花藝資材行，要買到「非」防水的包裝紙其實還有點難度，該說我選錯包裝紙，所以被截圖來做為韓式花束的箭靶嗎？

如果真的對韓式花束包裝有研究的人，可能一眼就能確定，那一集影片的教學並不是韓式花束包裝，術業有專攻，或許吳尚洋老師可能不太了解什麼是韓式花束包裝，才會將我的包裝手法歸納為韓式包裝，不是使用防水材質的包裝紙就等於韓式包裝。

在這花藝的歷史洪流中，有人選擇守護過去的歷史，盡力做好傳承的任務，當然也有人選擇開發新的歷史，不能說誰對誰錯，因為過去的歷史在當時也曾經是創新的產物。

（二）吳尚洋老師認為目前台灣花藝產業亂象導致花藝的門檻低，上過幾堂課就能成為花藝師，對於穩紮穩打在這條路的人不公平。

這個論點我暫時持保留態度，但今天問題出在「吳尚洋老師打了這些文字，卻放我的照片」，我認為這樣的文字意圖就不是那麼單純了！因為我並不是只上過幾門課就出來開業的花藝師（關於我的花藝學習歷程，有興趣了解可以到我的花藝頻道查詢，每一部影片下方的文字描述都有提到，這部分我就不詳述了）而我的YouTube 觀眾有沒有人因為看了我的幾集影片就出來自稱為花藝師或出來開花店呢？這我不能保證，如同沒有人能保證有沒有人看了吳尚洋老師網路上的影片，或是單堂實體課就出來當老師的，如果是這樣，為什麼吳尚洋老師不截圖自己在網路上的授課影片來做作為代表呢？（卻選擇我的？）
另外，我認為花藝門檻變低，照理來說，市場越來越大，應該會吸引更多同好投入，花藝用具、花藝大師課、花藝相關產業、活動、競賽也會更加盛行。

以棒球、籃球、圍棋、書法、街舞、熱音樂團、料理、烘焙或是電競來舉例，請問一個行業門檻非常高，高到離一般民眾太遠，那麼今天要怎麼說服大家來學習或是投入這個領域呢？

任何一個領域都像一座金字塔，不能只存在高端玩家，要供應整個產業鏈，一定要有中間和低端玩家，這樣一來，辦球賽才有看得懂的球迷，辦音樂會才會有聽得懂聽眾購票入場，支撐一個棒球員或是球隊、或是一個電競選手，台灣需要多少球迷、電玩愛好者呢？

同理，支撐一個花藝師或是花藝老師，需要多少花藝興趣的愛好者？

如果今天全台灣的人都不懂花、不喜歡花、不認識花、不具備花藝基本常識，每個人都覺得花藝的門檻很高，也沒有人願意出來推廣，舉辦活動、成立頻道、構思方案，人們連不新鮮的花材都無法辨別，要如何懂得欣賞專業花藝師的藝術作品？如何願意購票去欣賞國際花藝大賽？

如果接觸花藝的門檻低了，那麼花農開心，花市攤商開心，花店開心，花藝資材行開心，花藝教室的老師開心，穩紮穩打並且持續進步的花藝老師也會有學生願意付費進修，停滯不前的老師、沒良心的花店，也能因為國人花藝水平提升，無法再繼續誤人子弟，或是販賣花況極差的花卉。

有危機意識、怕被學生超越的老師，也會繼續往上進修，要求自己提高程度，如果因為學生學兩三堂課就出來自稱花藝師，並且也真的搶走了你穩紮穩打數十年而招生來的學生們，比起檢討這些進行市場推廣的人，應該要檢討自己的數十年專業為什麼會被只學兩三堂課的人輕鬆取代，是別人太有天份？還是自己沒有持續進步？還是自己的審美觀已經被市場淘汰？

一名有持續精進自己的花藝知識與技術的花藝老師，以及只上過兩三堂課就出來當老師和開花店的人，後者教個幾堂課，久了自然沒內容再傳授給學生，而前者因為有持續提升自己，他永遠有教授不完的內容，這樣一來，具備專業的老師自然禁得起時間與歲月的考驗，也沒有不公平的問題，因為市場自然會淘汰不適任的人。

另外，我還想對於這些日子聽到的一些「關於我」的聲音，做一些說明：

Q：為什麼會想要錄製花藝教學影片？

A：去年中旬，我因為一場嚴重疾病，與死神擦肩而過，苟且活了下來之後，因為不太清楚自己還能活多久，也不知道自己待在彰化教課還能教多久，一堂課8-10人這樣教，如果想要讓自己的教學系統推廣出去，在Youtube上面提供教學應該會是推廣效率最快的方式，假設接下來的日子還是不幸走了，那些在網路上的影片也能為自己的人生留下走過的痕跡，即使有一天這些影片沒有人要看了，當我的親友想念我的時候，或許這些影片也能讓他們觀看，所以我的頻道不只有花藝教學，也有一些我自己寫的歌，寫給家人、寫給我的寵物、寫給這個世界，這些都是我想要「留下」的。

Q：把花藝教學影片放在Youtube讓大家免費學習，會導致許多想學花藝的學生不願意踏入實體花藝教室。

A：在我個人學習花藝的歷程裡，意識到學習花藝需要花費大筆的金錢，不是每一位喜歡花藝的人都能負擔的起昂貴的學費，也不是每一位喜歡花藝的人都想成為花藝師，如果能做些什麼讓更多人喜歡花藝、接觸花藝、學習花藝、養成買花習慣，讓花藝不再只有特殊節日才會想起，而是平易近人的走進你我的生活，進而活絡台灣花藝產業，應該是一件很有意義的事情。

我認為網路教學跟實體教學還是有很大的區別，網路教學是老師單方面的給予教學內容，實體教學的優勢在於，學生如果實作上有任何問題，老師可以即時提供指導，或是學生發問時，老師也可以在課堂上因應學生的問題進行更多的教學和講解，這邊我簡單舉一個例子給大家參考：

最近因為疫情的關係，許多運動課程都採取線上教學，重訓教練課、瑜珈課、舞蹈課等，我個人也因此上了線上的重訓教練課，上了幾堂課的心得，就是隔著電腦學習，即便教練示範的動作我都看懂了，看實際上我的肌肉使用是否正確、硬舉和深蹲的姿勢是否正確，教練是無法像往常面對面教學一樣的指導我，因此實體花藝教室是有必要存在的。

因此我即使在Youtube頻道提供花藝教學，我個人的實體花藝教室的學生也不會因此認為以後在網路上學就好，而拒絕走進花藝教室學習，因為對於學生來說，付費獲得老師親自指導仍具有不可取代性。

最後，謝謝大家的耐心的閱讀完這篇文章，這篇文章無意冒犯任何人，只是針對近期發生的事情提供我個人的觀點與說明，花藝應該是很美好的事情，衷心的祝福大家，無論是學習花藝、養成花藝興趣，還是教授花藝，都能開開心心、快快樂樂的，沒有謾罵、仇恨與對立。

小雛菊花藝學校 吳妮晏 敬上

#art #inkart #painting

2019年的創作主軸仍是延續去年的奇石乾坤系列風格精進，並朝「二元對立」的美學呈現做探討，也通過台北市文化局108年第1期書法水墨類創作補助，期望加大自我的創作能量，做更多大膽的嘗試與實驗。

走訪了台灣平溪十分瀑布、桃園拉拉山、台中高美濕地、東勢林場、台南曾文水庫、宜蘭東澳粉鳥林、南澳神秘沙灘、花蓮太魯閣、鯉魚潭、花東縱谷、秀姑巒溪出海口和台東東河馬武窟溪等地，亦以露營的方式，期望深刻感受台灣各地的自然景觀及人文風情，並對自我的創作主題提供養分與靈感。

自然的面貌因人內心思維和學習背景的不同，而有截然不同的感受。此段時間亦投入對台灣政治環境的了解，在藍綠二元對立及白色力量的崛起，恰好與本次創作內容有了一些關聯性與啟發性。雖然對政治的狂熱是台灣社會最為火紅的現象，也曾考慮用色彩來影射，但最後仍然放棄。畢竟政治是一時的，萬世的宇宙，更有一種超越時間且無欲則剛的灑脫，不斷吸引我去描繪和追求的。

黑白的二元對立，建構在混沌之後的大破大立，也許是彼此邁入毀滅的開始，也許是更接近真理的探求，無論是衝突或磨擦，都能激起更多的火花，出現更多迷人的灰色調。

這些作品中黑石與瀑布，一者為靜為黑，一者為動為白，因動靜黑白的呼應，而產生視覺張力。或是呈現撥雲見石的瞬間，象徵世間的真理如同崇山峻嶺般，雖偶有雲霧遮蔽之遇，但也總有重見光明之時。輕柔的白雲與硬挺的黑石之間，因瀑布的介入，而有疏通的管道。

或將太魯閣峽谷溪邊所見雲石放於雲霧之中，此比溪水更為輕柔的元素，企圖呈現實更實虛更虛的視覺效果。二元的起初是一種比較擇優的過程，為何選擇溪石來表現？是因為山岩與溪石有著不同的造型語言與質感，溪石更潤更奇，更有時間的過程感，因此比起山岩來說，是較有故事性和內涵性的。

因溪流的侵蝕，而造成巨石的切割與矗立，內含流動與堅硬的呼應。看似無堅不摧的岩石，因潺潺流水的長期沖刷，也能形塑出各種奇岩怪石，將二元之間存在看似對立又有所互動的關係，一點一滴傳遞的淋漓盡致。

如峭壁般的巨岩，因雲霧的存在，而更顯渾厚穩重。如風般輕柔的雲霧，因黑岩的陪襯，而更感虛幻靈動。二元之間，不僅只是一種呼應的關係，也是隱涵無限的可能，兩者缺一不可，尤其是在藝術表現上。

作畫的過程充滿二元的內涵，從無到有，從白到黑，從虛到實，當然只有二元和對立，這樣的思維會讓現象世界一分為二，缺乏對二元之外的認識，造成認知上的侷限，不過建立在二元，而後跳脫二元，個人認為仍不失一種較好的辦法，畢竟沒有深刻的體認與實踐，就無法真正脫離二元的框架和籓籬。在西方哲學中二元對立最為經典的例子，即是理性與感性，而創作的過程也會圍繞在此兩者之間，有時是拉扯的關係，有時是前後不同時間的運用，但不管過程如何，最終它們仍引領畫下最後一筆，完成期望完成的作品。

總結來說，今年的創作歷程，最大的困難還是在於找尋適合的描繪對象及思考如何在畫面中呈現各種二元對立的狀態，也花費了許多的體力與時間。此外這樣的過程也讓個人對石質及雲霧的表現方法、岩彩媒材如何運用於水墨創作及島嶼人文特質如何融入自我創作中，有了更多的體悟。

【梁震明簡歷】

國立台北藝術大學美術創作研究所畢業。

曾任國立台南藝術大學藝術史系及東海大學美術學系講師。

個展12次，國內外聯展30餘次。

作品曾在香港蘇富比、羅芙奧及沐春堂拍賣成交。

著作「墨色的真相」與「台灣寺廟龍柱造型之研究」獲國立編譯館出版刊行。

現為羲之堂代理之專職水墨畫家。

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本集主題： 金工創作展　廖偉淇專訪
　
實習主持人： 吳政頡
（世新大學－公共關系暨廣告學系）
　
拙納自在，心空無境。
　　
　　「工欲善其，事必先利其器。」在金工創作過程中，鍛敲工藝技法的運用，常會使用到許多專業的工具及設備，當中還需對於材料科學、物理及化學，彼此間產生的原理變化有相當的理解，這也包涵在創作時，對金屬材料造形構成的重要因素。
　　
　　金工創作者—廖偉淇把鍛敲當作修鍊手與心的工具，金屬從全平面到立體蜿蜒，他將創作時律動的肢體與心意合而為一，透過形而下—身體勞動的創作過程完成作品，再經由作品的呈現，傳達出形而上精神層次的心靈感受，達成身心合一的融合境界，也提升工藝創作的精神層次。總是全心地投入創作，廖偉淇在謙虛中學習並體驗，就像是一位虔心修習的僧侶，在藝術的世界之中修練，探究真善美的境界。
　　
浸心在萬物與自然之間
　　週末的休閒時光，廖偉淇經常與家人出遊，往返臺北文山區附近的山林中，他特別喜愛在散步時，享受在大自然中放鬆的愉快感受，他試著去感受那空氣裡，因各種花草植物、土壤、山石，伴隨著風所帶來的豐富生機。每當靜心在自然之中，由山林間所帶來的各種感官經驗，不僅使廖偉淇的心境產生變化，對於萬物的空間讓他更覺親近，不禁忘卻時間的步伐。如此的存在感受，就像專注投入創作時的心境，專注體察週遭環境帶來的感官體驗，成為廖偉淇閱讀大自然詩歌的線索，閱讀這些詩歌的感動，也體現於他的想像力當中，成為日後作品造形的基礎。
　　
　　這些藉由大自然空間誕生的感官詩歌，將廖偉淇的想像加以轉化，再運用鍛敲工藝來敲塑作品，在千錘百鍊的金屬鍛造工法裡，虔心來表達他得之於大自然的感受。經過金工敲塑創作的完成及自述，廖偉淇也希望從作品的造形來映照觀者，去反映人們內在的美感精神。
　　
　　萬物之於廖偉淇—是生命共同體，對一草、一花、一木及一切的眾生，都生起同理心，需以真心對待，對於萬物都能夠感同身受的話，內在的慈悲之門就悄悄的開啟了。我們也從此可見，他以「感恩惜福」的生命哲學，來領受空間中更親近萬物的存在。
　　
　　談到創作中使用的鍛敲造形技法，廖偉淇必需不斷反覆將金屬材料運用高溫來退火，使得材料具有良好的延展特性，接著再操作許多的鎚塑工具，反覆敲鎚材料來塑形，使敲鎚受力之處延展，變長變薄或收縮變厚緊密，其中反覆的鍛造工藝過程，考驗著創作者對於技術原理的科學理解，以及協調肌肉的肢體運動經驗。
　　
從原生藝術到禪藝美學
　　法國藝術家尚•杜布菲（Jean Philippe Arthur Dubuffet）拋開了傳統的美學標準，他認為繪畫、雕塑及工藝等創作，皆來自創作者對於事物的強烈感受，過程完全始於創作者自己內在的動力，盡可能地不模仿，依賴古典、傳統藝術，及減少受流行與文化的訓練與薰陶。多顯現自我的心靈的創作特徵與自發性、神秘性及非商業性，形式上並非於描寫外在世界的敘述性，而多是著重於創作者的內心一面。因此尚•杜布菲提倡出著名的藝術運動Art Brut「原生藝術」。
　　
　　日本學者鈴木大拙提出「禪」是一種神秘主義，認為這是一個客觀存在的超越者，宇宙中存在著一種具有超越性的普遍理性。無論藝術家作品所選擇媒材、形式與表現，這都是創作者一種觀念的延伸，脫離神秘主義的曖昧差異之後，東西方文化對於禪的藝術詮釋，仍是一種思維，也是一種創作的精神關照。
　　
當下即是的禪藝
　　的內心態度決定其對應之關係，常受到爭議的是禪思維過於抽象，如同以「空」來解釋虛實之間的對應關係，無法以科學的依據衡量而辯證定論。
　　
　　「即使一切皆空，但也不等於虛無。」廖偉淇表示：這是其所形成的觀念真實存於人們腦海之中，創作者藉由生活行動、創作過程、作品的產出呈現等等.....任何形式所呈現的都是禪思語彙所傳達「當下即是」的美學精神與體驗。對於他來說，這種「空」本身並非是一種什麼都沒有的情況，而是代表另一種精神層次的參悟本質。　　　
　　
廖偉淇簡歷：
國立臺北教育大學，藝術與造形設計學系研究所碩士班
國立臺灣藝術大學，工藝設計學系，藝術學士畢　
個展紀錄：
2016 「拙納自在」廖偉淇工藝創作個展，新北市板橋，致理科技大學藝文中心
2015 「恩喆洁金工木印」廖偉淇金工個展，臺北市，亞典藝術空間